“TikTokification” adalah sebuah istilah internet yang diciptakan untuk menjelaskan pengaruh budaya dari salah satu platform media sosial paling populer di dunia. Pencarian cepat menghasilkan para pembuat video esai yang menerapkannya pada segala hal, mulai dari budaya kesehatan hingga Fortnite hingga penegakan hukum di Pakistan (hampir seperti tren TikTok sendiri). Namun, target yang paling persisten adalah musik. Menurut argumen, TikTok telah meratakan lagu-lagu menjadi hook selama lima belas detik, mendorong keseragaman, dan hanya “membuat musik menjadi lebih buruk.”
Secara persisten, dan secara pribadi sepanjang hidup saya, orang-orang telah mengeluh tentang musik yang semakin buruk. Pembelaan standar adalah nostalgia: semua orang menganggap musik masa mudanya lebih unggul. Meski demikian, saya pun terkadang berpikir, “Semua terdengar sama sekarang,” atau “Satu-satunya musik yang saya dengarkan paling tidak delapan tahun lalu.”
Ketakutanku diperburuk oleh penelitian empiris terbaru: Dari tiga studi 2024 yang berbeda dalam Scientific Reports, para peneliti menemukan bahwa untuk lagu-lagu populer: kompleksitas melodi telah menurun secara signifikan sejak tahun 1950-an, lirik telah menjadi lebih sederhana dan lebih repetitif, dan ada kecenderungan jangka panjang menuju homogenisasi timbral (yang setelah saya googling, saya temukan berarti variasi suara musik populer semakin berkurang).
Godaan selanjutnya adalah menyalahkan TikTok. Tetapi meskipun platform tersebut secara jelas membentuk bagaimana musik dibuat dan dikonsumsi, bukan berarti merupakan akar penyebab penurunan yang dirasakan dalam musik.
Fakta Check:
- TikTok memengaruhi tren dalam musik, tetapi bukan satu-satunya alasan di balik penurunan yang dirasakan dalam musik.
- Penelitian empiris mendukung klaim bahwa ada penurunan kompleksitas melodi dan peningkatan repetisi dalam lirik musik populer.
Jadi, sementara jelas bahwa musik sedang berubah dari berbagai pengaruh, itu tidak selalu merupakan penyebab mendasar dari keyakinan bahwa musik secara keseluruhan mengalami penurunan. Alasan struktural lebih memainkan peranan di sini, dan jawabannya terletak pada ekonomi streaming dan kebudayaan yang didorong oleh platform.
Menurut Laporan Musik Global 2025 Federasi Industri Fonografi Internasional (IFPI), pendapatan musik rekaman global mencapai $29.6 miliar pada tahun 2024. Pendapatan streaming sendiri melebihi $20 miliar untuk pertama kalinya, mewakili sekitar 69% dari total pendapatan musik rekaman.
Streaming telah mengubah musik menjadi permainan angka yang sangat dapat diukur. Pendapatan lebih memihak volume dan konsistensi daripada risiko, dan algoritma menghargai kefamiliaran. Label melindungi diri terhadap ketidakpastian, artis didorong untuk membangun merek daripada karya, dan lagu-lagu menjadi alat untuk keterlihatan sebanyak ekspresi keterampilan.
Fakta Check:
- Streaming telah merubah lanskap musik menjadi sebuah permainan berbasis data angka yang terukur.
- Algoritma streaming cenderung memperkuat kefamiliaran dan kepastian, yang mendorong terciptanya musik yang seragam.
Ini sejalan dengan istilah yang dikarang oleh penulis Cory Doctorow dalam bukunya yang berjudul sama, “enshittification.” Istilah ini menggambarkan proses di mana suatu teknologi atau industri awalnya dimotivasi untuk melayani pengguna sebanyak mungkin, namun begitu mencapai pangsa pasar yang cukup besar, kualitasnya semakin menurun dengan tambahan fitur-fitur seperti iklan dan penundaan untuk mendukung tujuan profit. Saya berpendapat bahwa dengan musik, terasa seperti musik “memburuk” adalah hasil dari enshittification. Uang selalu membentuk musik. Namun, ekonomi saja tidak menjelaskan mengapa pergeseran ini terasa sebagai kerugian budaya.
Fakta Check:
- Enshittification merujuk pada penurunan kualitas produk atau layanan setelah tercapainya kesuksesan pasar.
- Uang telah lama menjadi faktor utama di balik evolusi dan produksi musik, tetapi bukan satu-satunya faktor yang menjelaskan perasaan penurunan kualitas dalam musik.
Musik telah menjadi simbol kekayaan dan kekuatan bagi banyak kelas yang kuat secara historis. Menurut Exploring the Arts, selama Renaissance, musik istana menjadi medium formal bagi kerajaan untuk menampilkan kekayaan, dengan musisi terampil tampil di pesta, prosesi, dan penobatan. Pada abad ke-16, bermain musik dan menghargai musik dianggap penting untuk kehidupan bangsawan, seperti yang tercatat dalam The Book of the Courtier karya Baldassare Castiglione.
Dalam kota-kota kecil dan desa di Eropa dan dunia, musik lebih merupakan praktik bersama. Contoh yang populer (dan romantisasi, terima kasih, Tangled) adalah tarian desa Eropa, di mana warga di kota-kota pedesaan berkumpul di alun-alun desa untuk menari dengan musik yang sering disediakan oleh warga sekitar. Di Amerika awal, biola, seruling, dan instrumen portabel lainnya menjadi pengiring musik untuk jig, reel, dan tarian country.
Pada abad ke-19, menurut Library of Congress Blogs, musik lembaran cetak dan ruang musik memperluas akses, dan membawa pertunjukan keluar dari ruang elit dan ke ruang publik. Teknologi hanya memperbaiki ketersediaan, musik presentatif yang lebih terampil, dan perlahan menciptakan pergantian dari budaya musik kolektif dan berkolaborasi di alun-alun kota menjadi sesuatu yang lebih untuk dinikmati dan dihargai, dan bukan lagi sesuatu untuk dijalani dan diciptakan.
Untuk melihat perbedaan ini dalam budaya musik Barat, kita bisa membandingkannya dengan genre musik modern yang masih menjaga dasar-dasar komunalnya: amapiano. Amapiano adalah genre musik Afrika Selatan yang tidak berasal dari satu genre musik saja, melainkan dari ekosistem komunitas kota, melibatkan suara seperti kwaito, deep house, jazz, dan Bacardi house. Kepemilikan dalam amapiano sengaja kabur, dan lagu bukanlah pesan; itu adalah wadah untuk interaksi. DJ adalah pencipta, tetapi tanggapan kerumunan menentukan keberlangsungan, dan mix panjang lebih penting daripada rekor chart.
Fakta Check:
- Amapiano adalah genre musik yang lahir di Afrika Selatan yang mementingkan partisipasi komunal dan interaksi antara pendengar dan pencipta musik.
- Meskipun terpapar secara global dan di TikTok, amapiano telah menolak penghapusan total dan tetap mencirikan dirinya dengan kecepatan yang berbeda dari pop Barat.
Amerika Serikat tidak kekurangan budaya musik komunal. Musik country masih berkembang di tempat-tempat kecil dan sirkuit bar, sementara adegan alternatif terus terbentuk di sekitar pertunjukan lokal dan komunitas online. Ruang-ruang ini penting bukan karena mereka menghasilkan musik “lebih baik,” tetapi karena mereka melestarikan musik sebagai praktik sosial daripada produk yang murni dikonsumsi. Mereka memungkinkan inovasi dan hubungan personal dengan genre tersebut.
Contoh terbaik dari perbedaan antara musik kolaboratif dan presentatif dalam satu genre terlihat dalam hip-hop dan rap Amerika. Menurut Smithsonian Magazine, genre ini lahir pada tahun 1970-an di Bronx, muncul dari pesta blok, pertempuran jalanan, dan budaya DJ lokal. Sama seperti amapiano, MC dan DJ mengembangkan ketrampilan mereka di hadapan penonton langsung, dengan umpan balik, persaingan, dan energi komunitas membentuk musik. Saat hip-hop tumbuh dalam popularitas, itu dengan cepat beralih ke ruang komersial, dan seperti pop Barat secara lebih luas, fokusnya beralih dari komunitas ke konsumsi.
Asimilasi hip-hop ke dalam pop mainstream menggambarkan kejadiannya komodifikasi dan menimbulkan pertanyaan tentang apropriasi budaya yang layak dipertimbangkan lebih dalam. Namun, sebagai contoh, genre ini menunjukkan ketegangan inti antara komodifikasi Barat dan mengapa musik terasa seperti semakin buruk.
TikTok tidak merusak musik; itu membuat akhir dari transformasi panjang terlihat. Kerugian yang sebenarnya bukanlah kualitas, tetapi partisipasi. Ketika musik menjadi produk untuk dikonsumsi daripada praktik untuk dijalani, ia kehilangan detak jantung sosialnya, dan itulah yang membentuk persepsi penurunan budaya kita.
